Entretien avec Lucien Veniard, pour son film Gaïa

Lucien Veniard : « Il nous arrive d’être surpris de voir ressurgir des sentiments que l’on croyait évaporés »

ENTRETIEN – Dans Gaïa, son premier film, Lucien Veniard ausculte avec une grâce infinie le sentiment de nostalgie amoureuse qui s’empare d’un jeune garçon au cours d’une soirée. Son court métrage a été récompensé d’une mention spéciale du jury lors du 46e Festival du film court en plein air de Grenoble.

Gaïa centre son propos sur la nostalgie amoureuse. Qu’avez-vous précisément souhaité explorer au travers de ce court métrage ?

J’ai voulu raconter ce qu’on éprouve parfois en rencontrant à nouveau quelqu’un dont on a été éperdument amoureux par le passé. Il nous arrive d’être surpris de voir ressurgir des sentiments que l’on croyait définitivement évaporés. Je souhaitais également montrer que les hommes ont parfois du mal à verbaliser leurs sentiments entre eux. Quand j’étais plus jeune, je me souviens qu’il existait autour de cette question une forme de blocage, voire de tabou, alors que la plupart d’entre-nous étions prêts à accueillir les confidences ou les émotions des autres sans les juger. C’est une question qui m’a toujours beaucoup interpellée et j’avais envie de la placer au cœur d’un projet. Pour cela, le plus simple était de me saisir d’une histoire similaire que j’avais vécue. Toutefois, contrairement à Léo, le personnage principal du film, j’avais été submergé par une infinie tristesse.

Dans ce cas, pourquoi votre personnage est-il submergé de souvenirs et de sentiments joyeux ?

Je me suis souvenu des mots d’un ami à qui j’avais parlé à l’époque de ce que je ressentais. Il m’avait expliqué qu’au contraire, il fallait y voir une grande beauté. Avec le recul, je trouve qu’il s’agit en effet d’un sentiment magnifique qui parle à tout le monde. J’ai écrit le scénario du film seul, en une nuit, puis je l’ai retravaillé. Je ne l’ai fait lire qu’à une poignée de personnes pour rester focalisé sur mon idée première, et j’ai tâché de ne jamais laisser leurs retours interférer dans mon processus. J’aurais peut-être dû, tout compte fait !

Pourquoi ?

En visionnant la première version du film, qui durait vingt-sept minutes, je me suis rendu compte que le scénario était trop brouillon et que l’histoire perdait vite de son sens. Suite à cette déconvenue, j’ai beaucoup compacté le film en m’appuyant, cette fois, sur les conseils de celles et ceux qui avaient pu le voir. Par exemple, le court métrage mettait en scène un personnage féminin supplémentaire que j’ai finalement coupé au montage. Le film comportait également beaucoup plus de plans-séquence dans la salle de boxe. Nous y avions même tourné des scènes d’action. Mais nous avons finalement fait le choix d’écarter cette partie. Le résultat est un court métrage de neuf minutes et cinquante-cinq secondes avec une seule ligne directrice : la soirée. Pour la bonne tenue du film, il était plus judicieux d’aller à l’essentiel. Léo, le personnage principal, s’y rend et croise son ex-petite amie. Il se remémore les moments de joie qu’ils ont vécu ensemble avec nostalgie. Il fantasme probablement un peu son passé avec elle, comme nous avons tous tendance à le faire dans ces cas-là. C’est ce que je voulais montrer avec la séquence où ils sont enlacés sur une trottinette.

Le jeu d’Ephraïm Makoko, le jeune acteur qui interprète Léo, est subtil et sonne juste. Comment l’avez-vous recruté pour le rôle ?

Au total, dix à quinze personnes ont été auditionnées pour le rôle de Léo. Ephraïm est arrivé de Lille en connaissant son texte par cœur et sa motivation m’a impressionnée. Il s’était préparé pour un autre personnage du film en faisant de la musculation, mais nous lui avons très vite proposé de faire des essais pour celui de Léo, dont il connaissait également chaque réplique. En un claquement de doigts, c’est comme s’il s’était approprié les différents aspects de son caractère devant nous. Il avait choisi de l’interpréter avec des hésitations et un petit bégaiement qui relevaient d’un pur jeu d’acteur. J’ai immédiatement pensé qu’il devait endosser le rôle.

Il doit exprimer des sentiments très intimes et intérieurs. Comment avez-vous travaillé avec lui ?

Sa partition était difficile car il devait interpréter un personnage double qui doit à la fois montrer à son ami que cette relation fait partie de son passé, mais aussi au spectateur qu’elle n’a peut-être pas tout à fait fini de le hanter. Il doit en quelque sorte faire semblant de faire semblant ! Pour être honnête, je n’ai pas eu besoin de le diriger énormément car il a très vite compris les enjeux du film. Ephraïm est un acteur très modulable. Nous avons beaucoup répété certaines séquences, mais il s’agissait de scènes couplées de longs dialogues qui ont finalement été coupées au montage. Comme avec Luna Charpentier, qui interprète l’ex-petite amie de Léo, nous avons beaucoup travaillé en amont pour que les regards et les hésitations sonnent juste. Je souhaitais absolument que leur jeu soit très subtil et proche de la réalité sur cet aspect. Ce qui m’a beaucoup touché dans le jeu d’Ephraïm, c’est qu’il donnait la juste mesure de son personnage tout en conservant une fantaisie très originale dans sa voix et ses expressions. Cette facette de sa personnalité d’acteur fonctionnait parfaitement avec le personnage de Léo. Je l’ai simplement poussé à être un peu moins expressif. Ephraïm est un acteur de théâtre et j’ai dû le tempérer un peu, tout en l’invitant à laisser transparaître les émotions recherchées.

Le film est dominé par des tons bleus. Pourquoi ce choix visuel ?

Effectivement, j’ai souhaité que le bleu inonde le film. Avec Lucile Chase, ma cheffe-opératrice, nous avons beaucoup réfléchi ensemble au découpage technique. Elle a su traduire mes envies à l’écran à la perfection. Pour la gestion des couleurs, je me suis inspiré de la série Breaking Bad, dans laquelle l’image se teinte différemment en fonction du personnage. De la même manière, j’ai souhaité que le bleu accompagne Gaïa car c’est la couleur de la mer et du départ. Pour Tony, un personnage plus sûr de lui et masculin, j’ai choisi le rouge. Et pour Ephraim, j’ai opté pour le gris.

Techniquement, quels défis avez-vous eu à surmonter ?

Au départ, je souhaitais tourner avec des objectifs anamorphiques, mais leur location coûtait beaucoup trop cher. Nous avons finalement loué des caméras qui ne sont pas vraiment pensées pour le cinéma, mais leur rendu me plaisait beaucoup. J’arrivais à obtenir un beau « flare » et un flou très doux qui collaient à l’ambiance que j’avais imaginée pour raconter cette histoire. Le film était censé commencer par une séquence entière du couple qui descend en trottinette la rue de Belleville, à Paris, suivi d’une autre avec Léo à vélo qui remonte cette même rue. Ce sont deux séquences que je voulais tourner depuis longtemps. Nous les avons mises en boîte en une journée au steadycam, avec mon père qui conduisait le scooter. C’est un trajet que j’emprunte tous les jours à vélo et que je trouve magnifique à chaque fois. Sur l’une des deux prises, j’ai tenu à cadrer le plan.

Qu’avez-vous appris lors de ce tournage ?

J’ai pris conscience que je pouvais être le moteur d’un groupe de personnes. Cela ne me semblait pas si évident avant de débuter le film. J’ai senti que toute l’équipe était motivée par le projet et heureuse d’y appartenir. Mais j’ai surtout appris que la réalisation était vraiment ce vers quoi je voulais continuer de me diriger. Sinon, il est clair que je dois davantage me concentrer sur mes scénarios. L’étape du montage sera ainsi bien moins compliquée !

Gaïa est un film à petit budget. Quelles contraintes cela a-t-il engendré ?

Nous avons effectivement bouclé Gaïa avec très peu de moyens. La quasi totalité du budget est partie dans la première journée de tournage, et notamment la location de la salle dans laquelle a lieu la soirée dans le film. Nous l’avons tournée en une nuit, un jeudi soir de semaine, avec pas mal de galères. D’abord, il nous a manqué des figurants et pour que cela ne se voit pas à l’image, j’ai été contraint de resserrer les plans. Ensuite, nous étions censés finir le tournage à deux heures du matin. Mais à quatre heures, nous n’avions toujours pas terminé et il nous a fallu retenir les figurants par tous les moyens possibles. Beaucoup s’endormaient entre les prises ! Cela dit, je ne me suis jamais vraiment senti limité par le budget car nous savions qu’il serait restreint et tout avait donc été calculé en conséquence. Enfin, s’agissant des lieux du tournage, il nous a fallu bricoler. Nous avons « shooté » dans le même quartier pour que les déplacements soient facilités. La caméra appartenait à mon assistante réalisatrice. Les acteurs n’étaient pas défrayés. Mais une fois que le tournage a été lancé, tout le monde y a mis du sien !

La musique du film est très originale. D’où vient-elle ?

Il s’agit d’une musique mongole issue d’une chaîne Youtube intitulée Bek, qui ne diffuse que des enregistrements de musique folklorique. Le groupe qui l’a composée vit dans l’Altaï, la chaîne de montagne qui traverse la Russie, la Chine, la Mongolie et le Kazakhstan. Nous lui avons demandé s’il pouvait nous la prêter pour le film et il a gentiment accepté. C’est un style musical très beau, aux paroles guerrières, que je voulais utiliser dans l’un de mes projets depuis très longtemps. Je trouvais ça drôle de jouer sur le contraste entre leurs textes et la sensibilité de mon personnage principal, même si le spectateur ne s’en rend probablement pas compte. D’autre part, le compositeur principal du film, qui est ingénieur du son, s’appelle Elie Zilbermann. Il travaille avec plusieurs artistes de R’n’B. Il a réalisé des remixes de cette chanson mongole à la guitare électrique, puis il a composé trois musiques pour la soirée avec des reprises à la guitare du thème mongole. Au mixage, pour rester fidèle au bleu mer de Gaïa, nous avons ajouté des sons de vagues qui reviennent régulièrement quand on la voit, y compris lors des flash-backs.

Propos recueillis par Benoit PAVAN.